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Les partitions virtuelles

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Deux univers coexistent dans mon activité de compositeur : celui de la musique instrumentale et celui de la musique électronique. Aussi loin que je puisse me souvenir, la question de leur confrontation et de leur intégration s’est toujours posée pour moi. Cette question n’est pas de celles qui appellent des réponses rapides ni simples car tout destinait ces musiques à suivre une chemin indépendant, un peu comme c’est le cas pour le cinéma et pour le théâtre. Les personnalités qui oeuvraient dans ces deux disciplines provenaient d’horizons et d’éducations parfois très différents, leurs expériences musicales n’était pas du tout du même ordre et leurs rapports à la composition ne se posaient pas dans les mêmes termes. Les compositeurs se séparaient en deux catégories très distinctes qui, non seulement ne se confrontaient pas, mais s’opposaient complètement : ceux qui composaient pour les voix ou pour les instruments et ceux qui produisaient de la musique pour bande magnétique. Les premiers ne voyaient dans les seconds que des « bricoleurs » plus ou moins habiles mais totalement ignorants des lois de la composition et de l’écriture, quant aux seconds, ils tenaient les premiers pour des musiciens prêts à entrer dans un musée conservateur et académique. Les personnalités qui, en France, ont réalisé les premiers travaux dans ce que l’on appelait alors la musique concrète, n’avaient, pour la plupart, qu’une culture musicale très rudimentaire. Cette naïveté par rapport à la composition leur a permit d’oser des expériences que, peut-être, des musiciens plus expérimentés auraient dédaignées mais elle ne demeure pas moins un trait caractéristique que le temps ne fait qu’accentuer. Cette opposition se reflète en particulier dans la querelle qui opposa des musiciens tels que Pierre Boulez ou Jean Barraqué au groupe qui s’était formé autour de Pierre Schaeffer dans les années 50. Les cultures étaient trop différentes et trop inégales pour pouvoir parvenir à un mode de pensée commun. Quelques tentatives de composition « mixtes » ont vu le jour parmi lesquelles ont peut citer Désert de Varèse ou Poésie pour pouvoir de Boulez. Dans le premier cas, le discours était basé sur une simple opposition entre ces deux supports, le second cas a été abandonné car il ne satisfaisait pas son auteur. Mais le problème de la confrontation de la musique instrumentale et de la musique électronique avait été posé. Karlheinz Stockhausen est de ceux qui trouvèrent le moyens les plus originaux dans ce domaine car, quoiqu’il ne réalisa ses oeuvres mixtes que plus tardivement, il proposa, dès ses premières oeuvres de musique électronique, une prise en charge de l’utilisation des moyens de la synthèse et du traitement des sons concrets dans une optique formelle qui trouvait une correspondance avec ses conceptions élaborées dans ses oeuvres instrumentales. Si la nature des sons et des techniques utilisées différaient d’un domaine à l’autre, ses oeuvres s’inscrivaient dans une logique d’une très grande cohérence formelle qui, le plus souvent, faisait défaut ailleurs. Ce fût, pour moi, le premier exemple qui m’ouvrit réellement les yeux sur les possibilités de confrontation de ces deux supports.

Vers les années 70 apparurent les premiers programmes de synthèse sonore par ordinateur dont le rôle allait être déterminant. Ils permettaient, d’une certaine manière, d’approcher certaines conditions de l’écriture musicale. La gestion et la formalisation de paramètres numériques contrôlant les différents composants du son pouvait, en quelque sorte, reproduire le phénomène de la composition instrumentale qui, lui aussi, est basé sur une élaboration et un traitement d’éléments distincts servant de matériau de base à une composition. En cela, cette méthode attira rapidement une catégorie de compositeurs plus habituée à ce mode d’approche qu’à celui consistant à travailler de manière plus intuitive, « à l’oreille » pourrait-on presque dire, sur le matériau musical comme c’était fréquemment le cas dans les musiques électroniques analogiques. Si l’on pouvait faire un parallèle entre la formalisation des programmes et celle de la composition, ces deux démarches proviennent néanmoins d’une situation culturelle très différente. Les personnes qui mirent au point ces premiers programmes n’étaient pas, dans la majorité des cas, des gens ayant une grande expérience de la composition. La distinction que j’ai opérée plus haut entre musiciens « acoustiques » et « électroniques » continuait d’être toujours visible. Mais, en cela, cette situation n’était guère différente de celles qui prévalaient dans toutes les autres disciplines dans lesquelles les machines électroniques s’étaient immiscées. Cependant quelque chose incitait également au rapprochement de ces deux modes d’expression. Des oeuvres avaient été composées dans ce sens et on voyait, ici et là, des musiciens appartenant à l’une ou l’autre de ces catégories se poser des questions. Ce sont ces échanges permanents d’une discipline vers l’autre, dont l’Ircam allait vite devenir le lieu privilégié, qui m’ont amené à concevoir ce que j’ai appelé les partitions virtuelles.

Il ne s’agit pas d’une méthode de composition à proprement parler, avec ses règles et ses lois, mais plutôt d’une conception de la composition dans un sens assez général. Le terme de partition virtuelle me semble avoir été prononcé pour la première fois par Pierre Boulez au cours de conversations que j’ai eu avec lui pendant les années 80. Ce n’est que vers 1986-1987 que je commençais à en définir la signification que je lui donne aujourd’hui. Je ne prétend pas, en cela, avoir résolu définitivement la question de l’intégration des musiques instrumentales et électroniques, mais avoir apporté une contribution assez précise sur ce que devrait être, à mon sens, la composition lorsqu’elle est confrontée aux technologies du temps-réel. A un niveau théorique, mais aussi pratique, ce principe est basé sur une volonté d’unification de ces deux univers au sein d’une approche plus ou moins identique. Cette unification passe, bien entendu, par l’abolition de certaines frontières qui n’ont pas manquées de s’ériger, soit entre ces deux univers, soit au sein même de l’un des deux. Ce qui était autrefois nécessaire au développement d’une idée ou d’une technique et nécessitait, pour ce développement, un certain isolement ou repli sur soi, n’est devenu, avec le temps, qu’une accoutumance à un mode de pensée ou de fonctionnement qui ressemble plus à une forteresse identificatrice qu’à un lieu d’échange fructueux. Ces frontières sont, d’une part, celles qui divisent la conception de la composition suivant le fait qu’elle est notée sur partition ou produit avec les moyens de la synthèse et d’autre part, à l’intérieur même de l’univers technologiques, le produit de cloisonnements qui existent de par la diversité des techniques dont on se sert pour produire le son. Ces techniques, d’abord utilisées séparément, coexistent désormais au sein des mêmes oeuvres. Elles n’ont cependant pas de mode d’approche unifié et remplissent des conditions très spécifiques. Enfin il y a un clivage qui, malgré les apparences, a la vie dure alors qu’en analysant de près la situation, il ne devrait, du moins théoriquement, ne plus poser de problèmes : c’est la séparation entre le temps différé et le temps réel. Comme on le verra, cette séparation est plutôt le fruit d’un choix technologique car, d’un point de vue strictement musical, rien ne semble la maintenir ni ne l’imposer dans le processus conceptuel de la composition. Ce choix technologique cependant conditionne grandement l’aspect esthétique et cette vision catégorielle des choses finit par encombrer inutilement le paysage musical alors qu’une plus grande simplicité dans l’unification des modes de pensée serait souhaitable. Il vient un moment ou toutes ces catégories, qui deviennent obsolète dans leur trop grande spécificité, doivent être dépassées. Pour moi, ce moment est arrivé. Les partitions virtuelles sont une réponse à cette question que je me pose depuis longtemps : pourquoi ne pourrait-on pas composer de la même manière, que l’on ait en face de soi, du papier réglé ou un ordinateur ? D’autres réponses doivent bien sûr exister, celle-çi m’est simplement personnelle.

Le principal problème, et il est de taille, qui continue de séparer ces deux supports est celui de la représentation. La représentation est évidemment un moyen de communiquer avec les instruments, une méthode pour fixer les idées, mais c’est aussi bien plus que cela. On sait parfaitement que le traitement et le développement d’une situation quelconque est éminemment conditionné par son mode de représentation. En quelque sorte, on peut affirmer que les développements que l’on fait subir à un matériau sont contenus dans son mode de représentation. Pour un musicien, ces modes de représentation peuvent avoir la forme d’une partition traditionnelle, mais aussi d’une liste de nombres, d’images graphiques, etc. Il y a cependant une distinction importante à faire quant à ces modes de représentation et quant à leurs natures respectives. On ne peut pas minimiser le rôle fondamental qu’a tenu l’écriture, non pas les différentes techniques d’écriture, mais le fait même d’écrire la musique, dans l’invention musicale. L’absence d’écriture dans la musique électronique est probablement un des phénomènes qui assura une parfaite étanchéité entre ces deux modes d’expression. Il y a ici un problème dont, pour des raisons de commodité évidentes, on persiste à penser qu’il n’a pas à se poser dans le contexte d’une musique basée sur des sons de synthèse mais qu’il va falloir, un jour où l’autre, aborder car il conditionne la pensée musicale toute entière et son développement. Il existe bien évidemment des modes de représentation sur lesquels travaillent les musiciens qui font de la synthèse électronique. Ces modes ne se situent cependant pas du tout au même niveau conceptuel que ceux qui définissent la notation musicale traditionnelle. La question de la représentation est au coeur de la problématique qui divise encore fortement musique instrumentale et électronique. Il est indispensable de l’aborder.

 

Symbolisme, perception et virtualité dans l’écriture musicale.

La notation musicale est de nature symbolique. Elle est, de ce point de vue assez proche de l’écriture dont certains travaux ont montré qu’elle était issue d’une représentation visuelle du phénomène qu’elle était censée représenter (pictogrammes), pour aboutir après de nombreuses évolutions (idéogrammes), à une conception symbolique dans laquelle toute idée figurative avait disparue (écritures phonétique et syllabique). On ne constate évidemment pas le même chemin dans la notation musicale, beaucoup plus récente, mais on peut y voir le même pouvoir d’abstraction de l’écriture en ce qu’elle n’est pas une description mais une représentation du phénomène sonore. Cela peut sembler curieux car la notation musicale ne représente qu’un phénomène d’essence tout à fait abstraite qui est le son et le parallèle avec l’écriture peut paraître alors un peu forcé. Cependant, dans son mode de représentation, il est clair que la notation musicale ne représente que partiellement le contenu sonore qui va en être déduit. Elle ne rend pas compte de la totalité perceptuelle de ce contenu mais que d’une partie, certainement la plus décisive pour le compositeur. Il est évident que, lors de la composition, le phénomène sonore n’est pas toujours totalement formé dans l’imagination. On connaît bien sûr l’exemple de Mozart disant que la musique se formait entièrement dans sa tête et qu’il ne lui restait plus ensuite qu’à la coucher sur du papier. Schoenberg s’est aussi expliqué sur ce fait dans Style et Idée :  » Il y a quelque quarante ans, j’écrivit mon premier quatuor à cordes op 7. J’avais pour habitude de me promener à pied chaque matin et de composer de tête 40 à 80 mesures complètes dans la quasi-totalité de leurs détails. Il ne me fallait ensuite que 2 ou 3 heures pour reporter sur le papier ces importants fragments déjà fixés dans ma mémoire ». Il n’y a aucun doute à avoir à propos de ces facultés mentales de conceptualisation. Cependant il paraît évident que l’imagination sonore, même lorsqu’elle semble à ce point ancrée dans le seul mental, est quand même située, d’une manière ou d’une autre, en référence à un écrit. Même dans ce cas, l’écrit reste bien évidemment la seule forme de représentation possible, ne serait-ce que pour la simple opération de mémorisation. La création musicale fonctionne également souvent par étapes successives, chacune des ces étapes pouvant être une nouvelle approche de l’objet final. Mais, même le processus créateur totalement achevé, l’écriture n’est toujours pas la description complète du phénomène sonore qui sera perçu. Elle est moins que cela. Il lui manque tous les éléments que l’interprète va y greffer afin de constituer un véritable objet musical. Or, comme on va le voir, ces éléments, pour la plupart, ne sont pas notables. En cela, la notation laisse le champ libre à l’interprétation. L’écriture musicale est basée sur un vocabulaire de signes extrêmement simple en regard de la réalité sonore. C’est même cette économie de moyens qui la caractérise qui a permit d’élaborer des constructions formelles d’une grande complexité. Il est probable que si l’écriture avait du rendre compte du phénomène sonore dans sa totalité, de telles constructions n’auraient jamais pu voir le jour. En quelque sorte, la notation musicale est une sorte de métonymie du phénomène sonore : le tout est exprimé par une partie seulement. Cette représentation symbolique possède un pouvoir similaire à celui du mot sur les choses : elle permet d’abstraire des catégories, de les manier, de les construire, elle permet surtout la déduction et toutes les opérations qui n’auraient pu avoir lieu si la représentation n’avait pas été dégagée de sa substance matérielle, c’est à dire la réalité sonore. Cette abstraction symbolique propre à la notation, est la condition même d’une grande partie de l’évolution musicale depuis les neumes grégoriens jusqu’à nos jours.

Une représentation quelconque, n’a cependant de véritable puissance créatrice que lorsqu’elle peut provoquer l’imagination de celui qui la travaille. Cette valeur existe pour le musicien lorsqu’il possède la faculté de se représenter « mentalement » ce qu’il écrit, en d’autres termes, lorsqu’il peut « entendre » intérieurement ce qui est représenté sur la partition. Il existe un lien perceptuel entre la notation musicale et sa réalité sonore un peu comme la lecture d’un texte peut provoquer des images dans l’esprit de celui qui lit. Cette faculté est grandement fonction de l’éducation et de l’entraînement du musicien. [1. Luciano Berio, dans un entretien, disait que l’étude du contrepoint était le meilleur moyen de relier l’oreille au crayon. On constate malheureusement de nos jour une grande déficience dans cette capacité de représentation mentale de l’écriture. La raison en est probablement que, depuis quelques décennies, l’étude des disciplines d’écriture classique telles que l’harmonie et le contrepoint a été fortement délaissée. Bien qu’il soit clair que ces disciplines ne sont plus utilisées dans les compositions contemporaines, il n’existe, à ma connaissance, aucun autre moyen aussi efficace pour « relier l’oreille au crayon ».]. Il faut en effet qu’il y ait dans la lecture de la musique le complément nécessaire à l’écriture puisque l’interprétation n’existe pas. Dans ce cas l’interprétation est imaginaire. Elle est provoquée par l’accoutumance à la lecture, par la faculté de percevoir les timbres instrumentaux, par exemple, par la seule lecture d’une partition. Chacun peut mesurer l’écart qui existe entre la lecture et sa propre facilité à en percvoir le contenu. Ainsi, beaucoup de compositions actuelles, comme celles de Helmut Lachenmann, utilisent des modes de jeu instrumentaux non traditionnels. Il a fallu pour cela inventer une sorte de « tablature » qui, d’ailleurs, varie grandement d’un compositeur à l’autre. L’écoute interne de la lecture de telles partitions est d’autant plus difficile quand ces oeuvres ne reproduisent plus les cas auxquels notre oreille a été éduquée (reconnaissance de hauteurs, d’intervalles, d’instruments …). Ces cas de figures anticipent, en quelque sorte, sur ceux que nous verrons  à propos de la musique électronique.

Un autre faculté propre à la notation musicale est sa virtualité. L’observation des conditions de l’écriture et de l’interprétation dans différentes partitions du répertoire est riche d’intérêt. Ces conditions forment d’ailleurs la base même de toute la tradition musicale occidentale. Un rapide survol historique montre clairement que, au fil des époques, l’écriture se fait toujours dans le sens d’une plus grande précision. C’est à dire qu’elle supplante progressivement tout un savoir qui provenait de traditions orales. De telles traditions finissent par devenir, au bout d’un certain temps, des « mauvaises habitudes » qui n’ont plus lieu d’être lorsque que le langage et la stylistique ont évolués [2. Ce n’est pas autrement qu’il faut entendre les agacements de Wagner dans l’interprétation de la musique de son époque. Ce n’est pas autrement non plus qu’il faut interpréter le soin que mettaient Mahler ou Stravinsky dans la précision de leurs partitions. Cette précision n’a pas été dans ces dernières années, il faut bien le reconnaître, sans quelques exagérations.]. Si l’on prend, par exemple, la notation utilisée à l’époque baroque, on constate que n’y figurent, ni indication de tempi, ni indication de dynamiques, ni indication de phrasé… La notation est réduite à très peu de choses ce qui n’empêche nullement la grande complexité de certaines de ces oeuvres. Or l’interprétation de ce style de musique est fondé sur un grand nombre de ces valeurs qui ne sont aucunement notées dans la partition. Les compositeurs notaient ce qui était pour eux « les noyaux durs » de leur style propre, ce qui faisait que, dans le contexte de leur époque encore chargé de tradition orale, leur musique demeurait personnelle. Leur écriture comportait des éléments absolus ou relatifs suivant les cas,  qui allaient être « gauchis » et complétés par l’interprète. La somme des éléments qui vont donner naissance au phénomène musical n’est donc pas quelque chose qui est intégralement inscrit dans la partition. Bien que les traditions orales deviennent de plus en plus rares au fur et à mesure que l’écriture se précise, il est évident que cette dualité entre notation et interprétation continue de fonctionner quelque soit le style où l’époque. Il est important, à ce stade, d’observer où se situent les marges entre notation et interprétation et surtout de définir à partir de quelles conditions l’on peut parler d’interprétation.

L’interprétation agit sur des zones, mentales pour la plupart, à l’intérieur desquelles vont se trouver les valeurs qui détermineront les phénomènes sonores. Cette incertitude est la conséquence de l’imprécision, ou disons de la relativité de l’écriture. Les trois niveaux classiques sur lesquels se base l’écriture sont, par ordre de complexité : les hauteurs, les durées et les dynamiques. Le premier niveau est celui ou le pouvoir discriminateur de l’oreille est le plus fin : on peut ordonner une grande quantité de sons du grave à l’aigu sans problème. Mais, hormis les instruments à sons fixés tels que les claviers, on constate une zone d’acceptation assez grande de ce qui est une hauteur lorsqu’on entend un ensemble de cordes jouer à l’unisson ou même lorsqu’on examine la courbe d’un vibrato [3. Les interminables polémiques que l’histoire de la musique a vu surgir au sujet des différents tempéraments acceptant, par exemple, comme quinte, deux accordages différents, en sont une des preuves les plus évidentes.]. La notation des temps est beaucoup plus floue en regard de la perception. Au delà d’un temps assez bref (que l’on peut avoisiner autour de deux secondes) il est déjà pratiquement impossible d’avoir une idée d’une durée si l’on ne la décompose pas en valeurs plus fines. De plus, un grand nombre d’études l’ont montré, le temps, dans une interprétation musicale, est soumis à une constante variation qui peut dépendre du contexte mélodique, harmonique ou stylistique. En tout état de cause, on ne peut pas ordonner un grand nombre de durées de manière aussi facile qu’en ce qui concerne les hauteurs. Quant aux dynamiques, le maximum semble avoir été atteint avec la célèbre étude de Messiaen Modes de valeurs et d’intensités. Ce cas de figure n’est même concevable que « très théoriquement ». Non qu’il soit impossible de percevoir plus de sept valeurs différentes échelonnées du ppp au fff, mais il est rigoureusement impossible d’exiger d’un interprète d’en définir plus. Ces exemples donnent une excellente description du caractère relatif de la notation musicale en regard de la perception. Si l’interprétation est fortement conditionnée par la notation, elle ne commence que lorsque l’autre n’intervient plus. Ces deux entités que sont la notation et l’interprétation se définissent par le choix de la nature absolue ou relative des composants. Mais, en tout état de cause, l’écriture interprétable ne se définit qu’à l’intérieur de zones plus ou moins floues. Ces valeurs sont virtuelles et ne deviennent réelles qu’au moment ou l’interprète les produit. On ne peut rigoureusement parler d’interprétation que lorsqu’il y a une incertitude sur la valeur réelle qui va intervenir.

Cette richesse de possibilités est offerte par un mode de représentation et ne pourrait pas exister sans lui. Le lien entre représentation et potentialité d’un matériau sonore est à la base de toute une réflexion qui a lieu en ce moment au sujet de la musique conçue pour ou par ordinateur, que cette musique soit destinée aux instruments traditionnels ou aux sons électroniques. C’est le second cas qui m’occupe ici bien évidemment car dans le cas des instruments acoustiques, quelque soit le mode de représentation que l’on s’est fixé au départ, on retombe fatalement dans la notation traditionnelle. On va voir que, si variées et si perfectionnées soient-elles, les méthodes de représentation dont on se sert pour composer de la musique de synthèse, n’ont pas du tout les mêmes valeurs que celles qu’on utilise dans la tradition vocale ou instrumentale.

 

Les modes de représentations sonores de la musique électronique.

On peut distinguer deux familles de représentation musicale dans le cadre de la musique électronique : celle qui traite des sons eux-mêmes, de leur morphologie, et celle, beaucoup plus abstraite qui traite de la composition des structures musicales. Le problème qui se pose concerne la nature des objets représentés dans le domaine de la musique de synthèse qui sont beaucoup plus variés et beaucoup moins standardisés que dans celui de la musique instrumentale. Ces objets ne sont pas obligatoirement réductibles aux catégories offertes par la notation traditionnelle, même s’ils peuvent les contenir. Il est important aussi qu’une représentation graphique soit en étroite relation avec la représentation mentale qu’on se fait de l’objet. Un compositeur organisant le schéma harmonique d’une composition instrumentale utilisera une notation rudimentaire qui ne tiendra compte, pour l’instant, que des phénomènes de hauteur à l’exception des durées, dynamiques, orchestration, phrasés, etc. Dans son esprit, et à ce stade de l’esquisse, l’objet sonore qu’il travaille n’est mentalement constitué que de ces relations harmoniques. C’est dans un stade ultérieur qu’il affinera cet objet en lui donnant une morphologie plus complète. L’ordre dans lequel ces opérations ont lieu n’est ici pris que comme exemple et peut fort bien être différent. Le même exemple pris dans le cas de sons de synthèses peut être comparé. Si l’on veut dépasser en finesse les catégories de hauteurs offertes par la notation traditionnelle, c’est à dire si l’on veut obtenir des coupures plus petites que le demi ou même le quart de ton, il n’y a guère qu’une représentation numérique qui s’impose. Elle a l’avantage de se prêter à toutes les opérations de calcul mathématique, sous quelque forme algorithmique que ce soit. Sa limitation cependant vient du fait qu’elle n’offre aucune base intuitive à partir de laquelle on pourrait extrapoler. Rien n’est moins convainquant, pour un compositeur, qu’une suite de nombres lorsqu’il cherche, dans la représentation des événements sonores, une vision imaginative.

Une autre possibilité actuelle consiste à créer des représentations graphiques du son  qui permettent, suivant les cas, d’opérer des manipulations diverses. La représentation sous forme de sonagramme permet d’obtenir une « coupe » dégageant les raies spectrales constituées par les différents partiels. On peut réécrire ou effacer ces raies spectrales afin de changer certains aspects du timbre. D’autres types de représentation graphiques, telles que celle qui donne le profil dynamique du son an amplitude et permettent des « zooms » pouvant aller jusqu’au sinus, c’est à dire au plus petit constituant possible, sont très efficaces dans les techniques de montage et de mixage. Ces méthodes ont l’avantage de proposer une représentation plus « intuitive » et plus directement « parlante » du son.

Il est clair que de tels outils relèvent plus de ce que l’on pourrait appeler une description morphologique que d’une écriture au sens ou on l’a définit précédemment. La situation est très complexe car on ne peut pas nier non plus que ces outils conceptuels existent ou, du moins, qu’il existe réellement des recherches dans cette direction. Tout ce qu’a apporté, depuis une vingtaine d’années, les modèles logiques et algorithmiques de l’informatique à la musique en sont la preuve. L’automatisation, partielle ou même totale, des processus compositionnels n’a, d’ailleurs, pas attendu l’invention des ordinateurs pour exister. Les machines étant, par nature, tout à fait adaptées à ce mode de travail, il aurait été inconcevable qu’elle ne le traite pas. En l’occurrence, les premiers essais utilisant les machines pour fabriquer de la musique ont été faits dans ce sens, les recherches purement sonores n’étant venues qu’après [4. A la Renaissance, et jusqu’à J.S. Bach, des compositeurs utilisaient la « Tabula compositoria », une sorte de matrice pour générer les relations polyphoniques. Athanasius Kircher, au XVIIème siècle, utilisait, après Zarlino et Mersenne, des procédés mathématiques relevant d’une tradition médiévale. Il y a également le « Wurfenspiel », sorte de jeu de dés, que Mozart utilisa pour composer des petites valses. L’alliance de la combinatoire et de la musique est très ancien et serait trop long à développer ici. Au XXème siècle, c’est à Lejaren Hiller que l’on doit les premiers travaux de formalisations musicales par ordinateur en 1956. Ce n’est qu’une dizaine d’années plus tard que Max Matthews mettra au point les premiers programmes de synthèses des sons.]. On peut cependant faire la remarque suivante. Ces modes de représentation, logiques ou algorithmiques, peuvent comporter une puissance conceptuelle indéniable, ils présentent, en comparaison de l’écriture musicale traditionnelle, un désavantage de taille en ce qu’ils n’ont pas de valeur perceptuelle. Ils n’offrent pas la possibilité de se faire une représentation, sinon mentale, du moins perceptuelle du phénomène qu’ils engendrent. Ils sont, de ce point de vue aussi éloignés de la perception musicale que les représentations graphiques y sont noyées. Il y a là un fossé entre le travail sur les manipulations sonores et sur les structures compositionnelles que les méthodes de représentation diverses n’arrivent pas à combler ni à unifier. Il est un fait qu’un code numérique, ou une représentation graphique quelle qu’elle soit, n’est jamais parvenu à nourrir l’imagination d’un compositeur en vue d’en tirer des conséquences musicales. Ils ne sont que des méthodes de gestion de paramètres ou de manipulations qui, aussi puissante soient-elles, se révèlent incapables de représenter mentalement un contenu sonore réel. Il ne s’agit pas là d’un problème d’inacoutumance à un mode de représentation nouveau mais d’une différence de nature fondamentale entre la notation symbolique qui est celle de l’écriture traditionnelle et celles, numériques ou graphiques, dont on se sert avec les outils de synthèse. Les notations utilisées dans le cas des sons électroniques ne permettent pas de représentations mentales, au sens ou un musicien peut « entendre » intérieurement une partition par la seule lecture. Une représentation numérique ou graphique n’est pas, et ne sera jamais une partition, au sens ou la conçoit un compositeur. Ces différences ne donnent pas pour autant la suprématie d’un mode de représentation sur un autre. Ils indiquent les natures fondamentalement différentes qui existent entre la conception musicale qui prévaut pour les instruments traditionnels et celle qui est utilisée pour les outils de synthèse.

Les modes de représentation et les signes dont nous nous servons lors de la représentation des événements de la synthèse sont, pour le moment, très illustratifs et descriptifs de la réalité sonore. Or, on l’a vu, la force même de la représentation musicale dans l’écriture tient grandement à son caractère symbolique et métonymique et non exhaustivement descriptif. Dans l’état actuel de notre situation vis à vis des matériaux de la musique électronique, nous avons du mal à concevoir un type d’écriture qui rejoindrait, par son aspect symbolique, certaines possibilités de l’écriture traditionnelle telle que je l’ai décrite plus haut. Il est clair que la non-standardisation des objets est un obstacle de taille. Cependant, ce n’est pas tant les objets qui nous importent dans le problème de la représentation que les méthodes de transformations et de développements. Comme on le verra par la suite, l’idée d’une standardisation et d’une unification des méthodes diverses n’est pas impensable. Lorsque le vocabulaire général, qui est encore très éclaté, se réduira autour de conceptions globales des techniques diverses de la musique électronique, la possibilité d’une écriture symbolique se fera peut-être jour. Il est probablement trop tôt pour l’affirmer, mais il est grand temps de commencer à se poser le problème. Très certainement, nous n’avons pas encore découvert les principes de ces nouveaux modes de représentation et rien n’indique, pour l’instant, qu’il seront graphiques. Ils sont encore dans un type de représentation qu’il reste peut-être encore à inventer. Le passage de la description figurative à la représentation symbolique me semble un problème qu’il sera indispensable, à un moment ou à un autre, de traiter. Je n’ai, pour l’instant, aucune idée sur la manière d’y parvenir, simplement l’intuition qu’il faudra y parvenir. De ce point de vue, et en acceptant une certaine ironie vis à vis de la situation, nous sommes un peu comme ces peuples de Mésopotamie qui, 3000 ans avant notre ère, inventaient les premiers signes qui permirent non seulement de fixer, mais aussi de faire évoluer notre pensée.

 

Les partitions virtuelles.

En l’absence de ces outils conceptuels, il reste cependant à gérer la situation présente. Il semble acquis, vu la convergence d’un grand nombre d’oeuvres, que la mixité, c’est à dire l’alliance de l’électronique et de l’instrumental, triomphe de la solution qui consistait à n’offrir que de la musique conçue pour support synthétique. Si une nouvelle technologie se doit d’apporter de nouveaux concepts dans la discipline qu’elle sert, elle doit également intégrer le savoir-faire qui est en cours dans cette discipline. Ce savoir-faire est construit, selon moi, dans cet échange permanent entre l’écriture et l’interprétation. Les systèmes en temps-réel autorisent bien évidemment ce que l’on nomme du terme très prisé actuellement, voire même abondamment galvaudé, d’interactivité. Comme la virtualité était présente dans le couple écriture/interprétation depuis toujours, l’interactivité n’est pas non plus une chose nouvelle en musique. L’image des quatre musiciens d’un quatuor à cordes dont chacun produit de la musique tout en étant constamment à l’écoute de ses trois partenaires en est, entre autre, un exemple bien réel. Il ne s’agit cependant ici que d’interprétation mais au départ l’enjeu se situe bien là : faire entrer l’interprétation dans le contexte de la musique électronique. L’interprétation,  commence là ou s’arrête l’écriture, et est rendue possible par la nature même de cette écriture, son aspect métonymique. C’est en partant de l’analyse de ce que sont les conditions de l’écriture et de l’interprétation dans la musique traditionnelle que j’ai déterminé ce qui devait constituer, selon moi, les bases théoriques de la musique électronique en temps-réel. L’intrusion de l’outil technologique dans la création musicale bouleverse une quantité de choses. Il est normal que certaines données de la composition soient modifiées sans quoi la technologie ne serait rien de plus que ce qu’est la calculatrice électronique au calcul mental : une façon de faire la même chose avec plus de sûreté, plus de rapidité et moins de réflexion. Artistiquement, cette situation ne présente pas le moindre intérêt. Mais il est aussi normal l’outil technologique puisse s’adapter à une culture et s’intégrer à des pratiques qui sont à la base de cette culture. C’est dans ce mouvement d’adaptation réciproque, à double sens, que je conçois l’alliage de la technologie avec la pratique musicale. C’est pourquoi, quelque soit le sens que l’on donne aux termes de partitions et d’interprétation, je conserve la conception des données absolues et relatives comme concept de base dans les partitions virtuelles.

Les partitions virtuelles posent, comme prémisse, une donnée qui me semble être la base même de ce que l’on appelle le « temps réel » et qui est fondée sur la possibilité de détecter et d’analyser des événements produits en temps réel, c’est à dire, en musique, des événements produits par l’interprétation. Dans un premier temps, il s’agit de faire entrer les critères d’interprétation dans la musique électronique mais il va de soi que ces critères sont intimement liés à une stylistique particulière, voire à une époque, à des modes tout autant qu’à une analyse du texte à interpréter. Dans le cas d’une musique en devenir, les critères d’interprétation ne peuvent pas être du même ordre que dans celui d’une musique déjà codifiée culturellement. Il n’existe pas, à proprement parler, de critères d’interprétation en soi. Dès lors que l’on veut capter et faire interférer des phénomènes d’interprétation dans un contexte nouveau il semble évident que la conception du texte ou de la partition doit être également différente. Cependant ces partitions virtuelles sont basées sur la même appréciation que celle que j’ai donnée au sujet des partitions traditionnelles : elles ne donnent pas la totalité du contenu sonore, mais une partie seulement. Cette partie, qui  est codée dans la mémoire de la machine, demeure invariable quelque soit la manière dont l’interprète agira. La part manquante est déterminée par les relations qui sont établies entre l’interprète et la machine. C’est l’analyse en temps-réel des données instrumentales, ou vocales, qui définira les valeurs réelles qui serviront à produire le son. La musique, dans ce contexte déterminé, ne peut surgir que lorsque les données captées de l’interprète entrent en connexion avec celles qui sont fixées dans la machine. Elles sont, on l’a vu, organisées à l’intérieur de zones et non en tant que valeurs réelles puisque c’est comme cela que fonctionne l’interprétation. La partition virtuelle est donc une partition dont on connaît, a priori, la nature des éléments qui vont être traités mais dont on ignore les valeurs exactes qui vont définir ces éléments.

L’influence de données de l’interprète sur le programme est déterminée par le choix de ce qui constitue les valeurs absolues ou relatives du contexte musical dans lequel on se situe. Les valeurs absolues sont celles qui, d’une exécution à l’autre, ne varient pas. La connexion entre l’interprète et cette partie des paramètres fixés est inexistante car, quelque soit la manière dont l’interprète agit, ces valeurs restent rigoureusement identiques. Pour parler en termes anthropomorphiques on pourrait dire que, dans ces cas là, la machine « n’entends » pas ce que produit l’interprète. Les valeurs relatives, elles, seront soumises au contrôle de l’interprète. La machine les « entends », les détecte, les analyse, les convertit en paramètres et les utilise dans les calculs nécessaires à la production de tel ou tel composant du son. Imaginons un instrument virtuel produisant de la synthèse. On considère que, parmi la grande quantité de paramètres nécessaires à la production du son, une partie d’entre eux soient « verrouillés », c’est à dire qu’ils ne sa placent pas dans le champ d’influence de l’interprète. Les valeurs affectées à ces paramètres sont alors déterminées une fois pour toute dans une liste que le processeur viendra lire le moment venu. L’autre partie de ces paramètres est fournie par une détection et une analyse des comportements instrumentaux et variera continuellement soit en reproduisant à l’identique les résultats de cette analyse, soit en les modifiants par le biais de fonctions de transfert. A un autre moment, le verrouillage et le déverrouillage porteront sur une autre distribution de paramètres. Cette situation, on le voit, comporte deux aspects : l’un fixe et l’autre mobile. On y reconnaît ce qui, dans l’écriture, était invariable et ce qui était soumis à de déviations, des modifications, à tous les éléments que l’interprète produit, en temps-réel pourrait-on dire, et qui n’étaient pas inscrits dans le texte.

Cette dimension indéterministe peut avoir des conséquences plus ou moins importantes sur la morphologie du discours musical. Cette marge aléatoire peut être, au moins, celle qui définit les conditions traditionnelles de l’interprétation, à savoir ce qui détermine une qualité sonore, un phrasé, une attaque, une durée, etc., elle peut être, au plus, responsable de la structure entière du discours musical qui, dans ce cas, sera organisée en fonction des données reçues par l’interprète. Dans ce dernier cas, cela confine au statut de l’oeuvre ouverte et de la musique aléatoire, et peut aller, en bout de course, jusqu’à l’improvisation. C’est là une affaire de choix compositionnel et de choix esthétique que je ne veux pas traiter dans ce contexte. Ces choix sont avant tout d’ordre esthétiques mais sont également tributaires du type d’analyse que l’on effectue sur le son de l’interprète.

 

Reconnaissance et suivi.

L’organisation des partitions virtuelles est basée sur deux principes qu’il est important de distinguer : celui de la reconnaissance et celui du suivi. Par reconnaissance, il faut entendre la possibilité de se repérer dans un contexte déjà connu à l’avance mais qui risque d’être perturbé. C’est le cas de ce que l’on nomme improprement « suivi de partition » et que l’on devrait appeler « reconnaissance de partition »  La reconnaissance d’une partition jouée par un interprète se borne généralement à se repérer dans une succession chronologique d’événements tout en admettant une certaine tolérance à l’erreur. On attend un événement déjà mémorisé et le processeur doit le reconnaître instantanément. La partition instrumentale est déjà codée à l’avance, et le processeur compare les événements détectés avec ceux qu’il est censé reconnaître chronologiquement. En général cela se fait au moyen d’une « fenêtre d’analyse » qui joue sur la reconnaissance non d’événements isolés, mais d’une collection d’événements. C’est ce qui permet d’introduire une clause de tolérance à l’erreur car si trois événements sur cinq sont reconnus, par exemple, le processeur n’interromps pas son travail et en « déduit » que la partition détectée est bien ressemblante à celle qui est codée dans sa mémoire. C’est un des cas les plus délicats à traiter car, suivant les instruments utilisés, il est nécessaire de choisir des options différentes. La reconnaissance d’une partition monodique peut très bien se faire de manière acoustique : un micro capte le signal puis, grâce à une analyse du spectre, en calcule la fréquence fondamentale. Si cette fréquence correspond à la note attendue, alors l’événement est reconnu et le système reproduit la même opération et ainsi de suite. La reconnaissance d’une partition polyphonique pose beaucoup plus de problèmes car  lorsque quatre notes sont jouées simultanément, il est très difficile de déterminer à quelles fréquences fondamentales appartiennent la superposition de tous les composants des spectres. Des recherches existent dans cette direction [5.Miller Puckette, à l’Université de San Diego, réalise actuellement des recherches sur la détection acoustiques des instruments à corde. Ces instruments pouvant produire plusieurs sons à la fois, en tout cas deux de manière tout à fait simultanée, le problème de la détection polyphonique est abordé.] mais, pour le moment, on en est réduit à utiliser un type de détection purement mécanique tel que le code MIDI. La différence entre ces deux types de détections, acoustique et mécanique, n’a guère de conséquences sur la suite de la composition car il ne s’agit pas encore ici de contrôler quoi que ce soit mais de se repérer dans une partition. L’avantage de la reconnaissance de partition est cependant de tout premier ordre dans la gestion temporelle de la musique car, une fois cette étape maîtrisée, s’offre la possibilité d’introduire autant de points d’ancrage temporels que l’on désire entre la partition instrumentale et la partition électronique. A chaque événement reconnu, pourra être synchronisé tel ou tel type de son, de traitement, de processus dont certains, tels que l’échantillonnage en temps-réel, doivent obéir à une précision de l’ordre de quelques millisecondes. C’est la condition sine qua non pour en finir avec la rigidité temporelle des anciens systèmes et pour donner à la musique électronique une souplesse temporelle au moins égale à celle qui existe dans le monde instrumental.

Le suivi est d’un tout autre ordre. Par « suivi » on doit comprendre la détection d’événements qu’on ne connaît pas à l’avance. Le processeur détecte des valeurs mais ne les compare pas avec une liste déjà établie a priori. Il ne fait, sauf cas particuliers, aucune comparaison et accepte tous les événements comme également valables. Le suivi peut porter indifféremment sur n’importe quel composant sonore, hauteur, enveloppe dynamique, catégories spectrales, comportements acoustiques divers etc. C’est à ce niveau que s’opèrent toutes les opérations de contrôle qui permettent de modifier en temps-réel les paramètres de synthèse ou de traitement. C’est à ce niveau également que la dimension de l’interprétation peut servir de modèle pour l’élaboration des sons électroniques. C’est ici que le compositeur peut introduire dans sa partition la virtualité qui fait que le processeur peut mesurer l’écart qui existe entre la notation et le phénomène sonore produit à partir de cette notation. Un exemple simple, tiré de ma composition En écho pur soprano et système en temps reel [6. Le cycle Sonus ex Machina comportant Jupiter, Pluton, La Partition du Ciel et de l’Enfer ainsi que Neptune à été réalisé avec le mathématicien Miller Puckette à l’Ircam. Ces pièces furent conçues pour le processeur 4X mis au point par Guiseppe di Guigno. En Écho, toujours réalisé avec Miller Puckette été composé pour la Station d’Informatique Musicale de l’Ircam élabore par l’équipe de Éric Lindeman.], peut donner une explication de ce phénomène. Une voix humaine peut produire des voyelles à partir de la simple notation d’un texte sous des notes. Les voyelles sont définies acoustiquement par ce que l’on nomme les formants dont les fréquences se situent dans des zones assez bien connues. Il est cependant absolument impossible d’exiger d’un chanteur qu’il produise ses formants sur ces fréquences données. Cela fait partie de ces catégories sonores qui sont productibles mais absolument pas notables car « humainement » impossibles à contrôler. C’est exactement l’écart qui existe entre la complexité du phénomène sonore et son écrit. Cela dit, un processeur peut très bien faire l’analyse de ces formants et en opérer un suivi de façon tout à fait continue et exacte. Aucune valeur précise n’est attendue puisque l’interprète n’a pas la possibilité de les fournir avec exactitude. Ces valeurs détectées sont alors envoyées à un algorithme de synthèse qui les utilise en temps-réel. Le timbre de ces sons de synthèse reproduit alors une qualité qui est celle de la voix au moment ou l’interprète les chante. On reconnaît les différentes couleurs des voyelles dans les accords produits électroniquement. Ces sons de synthèse sont, d’autre part, définis harmoniquement sous une forme totalement fixée qui ne variera pas quel que soit la manière dont chante l’interprète. D’un côté on a des valeurs absolues, fixées une fois pour toute, de l’autre des valeurs relatives qui détermineront des qualités sonores en fonction de l’interprétation. Cette dualité entre valeurs absolues et relatives, qui définit les conditions de l’écrit et de l’interprétation dans la musique instrumentale et vocale, a déjà évoquée précédemment mais, dans le contexte de la musique électronique, détermine deux catégories qui continuent d’alimenter une grande querelle qui, à mon sens, n’a plus lieu d’être : celle du temps-différé contre le temps-réel.

 

La querelle des temps.

On observe un important clivage entre les compositeurs qui se réclament des techniques en temps différé et ceux, beaucoup moins nombreux, qui optent pour une utilisation du temps réel.  Ces deux termes, d’ailleurs, doivent être pris avec précaution. Comme on le verra, une grande partie des musiques qui se définissent comme appartenant à la catégorie du « temps réel » ne proposent finalement qu’un aménagement pratique des vieilles méthodes de studio en « temps différé » tout comme les musiques réellement conçues avec les techniques du « temps réel » acceptent une grande part de prédétermination absolue dans leur constituant, ce qui est la marque du « temps différé ». On peut résumer rapidement les situations dépendant du temps-réel et du temps-différé en disant que dans le premier cas, l’analyse des données de l’interprétation modifient la totalité ou une partie des aspects morphologiques du discours musical, alors que dans le second cas, ceux-çi restent identiques quelque soient les critères d’interprétation comme c’était le cas dans les anciennes musiques pour bande magnétique.

S’il est un élément fondamental qui détermine ces clans que sont le « temps réel » et le « temps différé », c’est bien le Temps lui même. Non pas le temps psychologique mais le temps musical objectif, celui qui détermine les conditions de synchronisation et de coordination entre les événements. Le problème s’est tout de suite posé lorsqu’on a voulu faire dialoguer un temps immuable, celui des bandes magnétiques, avec un temps modulable, celui des instruments dans les premières musiques mixtes. Plusieurs cas de figures ont été tentées pour résoudre ce délicat problème de superposition. Un chef d’orchestre , ou des instrumentistes, peuvent suivre le déroulement d’une musique couchée sur support fixe « à l’oreille » si certains éléments sonores agissent comme des signaux de repérage. En y réfléchissant, c’est un peu le cas très classique d’un chanteur d’opéra attendant un « repère » dans l’orchestre soit pour prendre son intonation, soit pour chanter, soit pour accomplir un geste scénique. Dans un second cas, lorsqu’une précision rythmique beaucoup plus grande est demandée, comme dans le cas de modifications des tempi dans lesquels il faut synchroniser parfaitement les instruments et les événements électroniques, une autre solution consiste à diffuser un « click-track » (un bruit de métronome enregistré) que le chef écoutera par l’intermédiaire d’un petit écouteur placé sur son oreille. Cela permet d’être renseigné continuellement sur le bon tempo mais offre, outre le sentiment désagréable de jouer « au métronome », le désavantage de rendre impraticable les continuelles variations de tempi qui, même lorsqu’elles ne sont pas inscrites sur la partition, sont nécessaires à l’interprétation. La troisième solution, qui ne devrait être qu’un cas particulier mais que l’on rencontre malheureusement très souvent, est de ne vouloir aucune synchronisation précise entre ces deux discours. Il est clair que les choses ne sont pas aussi tranchées dans la réalité d’aujourd’hui. On ne compose plus guère pour supports fixes tels que les magnétophones qui se sont vus remplacés progressivement par des systèmes sur disques durs. Ainsi sont souvent présentées comme « musiques en temps-réel » des oeuvres qui, quelque soient leurs qualités musicales intrinsèques, reproduisent le vieux schéma des musiques mixtes dans lesquelles le tempo de la bande était le maître du jeu. La seule chose qui soit remise en question, par rapport aux musiques sur bande magnétique, est la faculté de déclencher des séquences de manière synchrone avec un son instrumental. Mais, une fois la séquence déclenchée, le jeu de l’interprète n’aura plus d’incidence sur le devenir de l’oeuvre avant le prochain déclenchement. Tout au plus peut-on démarrer et stopper les séquences pré-composées avec plus de liberté. Cela est dû, pour l’instant, grandement à des impératifs technologiques qui font que, si l’on veut qu’une oeuvre puisse être jouée avec la même facilité que n’importe quelle oeuvre instrumentale, on est obligé de faire appel à une technologie largement divulguée par les outils du commerce qui ne permet pas, en général, de produire des musiques dans lesquelles la part de l’interprète puisse avoir une responsabilité sur l’oeuvre à un niveau équivalent à celui de la musique instrumentale. En contrepartie, les oeuvres mettant en jeu une dimension interprétable conséquente ne sont, pour le moment, possible que sur une technologie encore peu divulguée limitant ainsi les potentialités d’exécutions. Cette situation évolue, bien évidemment, dans le sens d’une plus grande accessibilité aux performances technologiques puissantes, mais contribue largement à entraver une évolution de la pensée musicale qui devrait remettre en question certains fondements même de la composition lorsque les moyens théoriques et techniques existent pour cela. Il n’y a aucune raison de se limiter à des catégories de temps aussi grossières que les seuls démarrages et arrêts de séquences dès lors que les outils technologiques le permettent car cela revient, musicalement parlant, à concevoir une oeuvre dans laquelle les points de synchronisation sont beaucoup plus espacés et soumis à un contrôle beaucoup plus lâche que dans n’importe quelle autre oeuvre. Imaginons, pour donner un exemple concret de cette situation, une pièce d’orchestre dans laquelle l’écriture ne prendrait en compte que la synchronisation du début de plusieurs séquences mais ou il n’y aurait plus de contrôles temporels internes dans leurs superpositions. Ces cas existent bien évidemment et ils peuvent avoir une raison d’être tout à fait valable (Zeitmasse  de Stockhausen ou Pli selon pli et Rituel de Boulez explorent systématiquement ces principes d’indépendance temporelle entre les structures) mais ils ne peuvent, en aucun cas, constituer une norme qui régirait une condition générale d’écriture. Cette dualité de situations impose finalement un choix entre une technologie en temps-différé et une autre en temps-réel et ce choix technologique provoque fatalement des répercussions sur un choix esthétique. Ce choix limitatif est souvent la conséquence d’oeuvres dans lesquelles on constate un choc stylistique entre une écriture instrumentale basée sur une articulation précise et une partie électronique qui ne peut pas bénéficier de la même finesse d’articulation et se concentre alors sur des événements plus massifs et plus monolithiques.

Les séquences pré-composées en studio ne bénéficiant que des options de déclenchement et d’arrêt en temps-réel appartiennent totalement au temps-différé, tandis que les musiques qui acceptent une part de mobilité dans leur constitution dépendent du temps-réel. Cette part de mobilité, qui n’est pas obligatoirement comparable à ce qui constituait les musiques aléatoires est identique à la mobilité qui est de fait dans toute musique instrumentale. Pendant longtemps, et non sans raison, les partisans de la musique en temps-différé avaient une attitude critique quant au manque de finesse et de raffinement qu’offraient les moyens de synthèse en temps-réel. Cette critique tend aujourd’hui à n’avoir plus de viabilité car les systèmes en temps-réel offrent désormais une puissance de calcul qui permet d’avoir un contrôle d’une très grande finesse. Le dilemme entre ces deux choix semble plus le produit d’une conception, d’une part, héritée des techniques de studio classiques dans lesquels les compositeurs étaient habitués à tout fixer (le vieux réflexe de la bande magnétique) et de l’autre, chez des musiciens pour qui l’écriture instrumentale était naturellement soumise aux gauchissements de l’interprétation. Cette querelle du « tout-temps-réel » ou du « tout-temps-différé » me semble pouvoir être définitivement levée car, comme dans tous les cas semblables, ce ne sont jamais les positions extrêmes qui aboutissent aux résultats les plus intéressants. Il est clair que la composition comporte énormément de cas de figures qui sont inaccessibles au temps-réel, en particulier dans tout ce qui concerne les constructions qui demandent une prédiction sur ce qui va se passer. Un trajet complexe de spatialisation, une évolution calculée de paramètres de synthèse nécessitent souvent une mise au point définitive à laquelle la situation du temps-réel pourrait être fatale. Il est clair aussi que la précision qu’un compositeur peut exiger d’un interprète soit également valable pour un processeur. On veut exactement telle chose et non une autre. Une composition, on l’a vu, peut aussi bien comporter des éléments qui ne varieront pas quelque soit la situation de l’interprétation, que des éléments qui seront soumis à ces variations d’interprétation. La distinction doit se faire ici entre le choix des valeurs absolues et des valeurs relatives qui formeront la composition. Si l’on raisonne au niveau des systèmes en temps-réel, il est évident que rares sont les cas de figures dans lesquels rien n’est fixé à l’avance. La distinction montrée plus haut entre les éléments absolus d’une partition instrumentale et les éléments relatifs à l’interprétation peut très bien servir de base à l’édification de partitions électroniques qui sont basées sur ce même modèle. C’est dans le choix conceptuel des objets musicaux qui constituent l’oeuvre que doit se faire la distinction entre ces deux entités et non dans une prise de position par rapport à une technologie qui appliquerait d’elle-même cette décision. L’indépendance temporelle des événements superposés dans une composition mixte, dès lors que les outils théoriques et pratiques existent pour cela, doit être aujourd’hui la conséquence d’un choix esthétique plus que celle d’une limitation technologique. « Mon paletot aussi était idéal », cette phrase de Rimbaud reprise par Boulez dans Penser la musique aujourd’hui est malheureusement toujours d’actualité. La prise de position pour le temps différé ou pour le temps réel, en d’autre termes la répartition des événements constitués de valeurs absolues ou relatives, doit désormais cesser d’être un choix technologique pour devenir un choix compositionnel.

 

Le paramètrage numérique comme valeur de métamorphose.

Un des grands intérêts de la situation offerte par le principe de la détection et de l’analyse des sons instrumentaux dans le cadre du temps réel me semble résider dans la possibilité d’opérer des métamorphoses d’une catégorie sonore dans une autre. Cela est rendu possible par la conversion des valeurs analogiques en paramètrages numériques. Pour un processeur, toute valeur détectée dans un signal acoustique peut être paramètrée de manière numérique. Pour lui, toutes ces valeurs numériques sont égales comme on dit que le sont tous les citoyens devant la loi. C’est au compositeur d’en déterminer une hiérarchie et d’en déduire une structure de relations. Que ce soit une valeur de hauteur, de temps où de dynamique mais aussi des valeurs plus fines portant sur l’analyse spectrale d’un son que ce soit par son contenu fréquentiel ou formantique, le résultat est codé numériquement. Cette faculté de réunir des composants acoustiques différents sur une même échelle de valeurs permet de les faire s’influencer mutuellement, et de faire en sorte qu’une catégorie sonore puisse contrôler une autre catégorie sonore, voire un ensemble de catégories. Ainsi une valeur de temps ou de durée, peut influencer une valeur de transposition de hauteurs, l’analyse d’une enveloppe dynamique peut diriger un trajet de spatialisation. Un tel mélange de catégorie sonore est, bien entendu, totalement impensable dans la musique instrumentale. Grâce au paramètrage numérique il existe une équivalence de représentation des différents composants sonores qui peut très bien servir d’étalon autour duquel seront déterminés différents aspects du discours musical. L’interprétation, dans ces cas, n’est plus du même ordre que dans celui de l’acception classique de ce terme car elle pénètre entièrement la morphologie de la partition. Dans Pluton, j’ai utilisé des valeurs dynamiques comme critères de définition d’un choix d’échelles d’intervalles et dans Neptune, c’est le processeur lui-même qui, par le fait de calculs aléatoires, produit des déviations d’ambitus et de tempi sur lesquels sa basent les interprètes. En y réfléchissant bien, le cas de catégories s’influençant mutuellement n’est pas nouveau dans la musique : une acoustique particulière peut orienter un choix de tempo qui lui-même détermine des valeurs dynamiques et rythmiques. Mais dans le cas cité précédemment, la détection des valeurs d’interprétation peut aller jusqu’à la prise en charge d’éléments fondamentaux du discours musical. Là encore, l’importance que l’on voudra bien accorder à l’influence de ces critères temps réels sur la conception même de la musique est une affaire de choix esthétique.

 

Échantillonnage, transformation et synthèse : passé et avenir.

Trois domaines partagent actuellement la somme des travaux qu’effectuent compositeurs dans la musique électronique : l’échantillonnage, les transformations des sons instrumentaux ou vocaux et la synthèse sonore. Les deux premiers reproduisent la dualité qui existait dans les années 50 entre la musique concrète, spécialité du club d’essai de la R.T.F. à Paris, et la musique électronique pure sur laquelle le Studio de Cologne a fait les premières expérimentations. Ces deux démarches opposées au début se sont unifiées, dès 1955/56, dans le Gesang der Junglinge de Stockhausen. Ce n’est que dans les années 70 (pour la synthèse) et 80 (pour l’échantillonnage) que ces techniques apparurent dans l’informatique musicale. mais elles restèrent l’apanage du temps différé.

La synthèse sonore, de ce dernier point de vue, est l’instrument le plus puissant car, suivant les modes de synthèse utilisés, on peut construire le son en autant de paramètres que l’on veut qui seront autant de variables indépendantes pour déterminer tels ou tels aspects du son. Le problème qui se pose fréquemment pour les compositeurs est celui d’une relativement grande inertie du son lorsque la gestion des paramètres n’est pas suffisamment complexe. Lorsque l’on analyse l’aspect acoustique d’un son instrumental dans le temps, on est frappé par l’immense diversité et variabilité des comportements qui, lorsqu’ils doivent être reproduits par les méthodes de synthèse pure, demandent un contrôle d’une extrême complexité. De ce point de vue, la synthèse, définie comme un calcul de paramètres totalement préétabli, est une technique relevant complètement du temps différé puisqu’il n’y a aucune détection ni analyse d’un signal en temps réel.

L’échantillonnage a connu d’emblée un grand succès par le fait même de pouvoir combler en variété de comportements les difficultés que posent la synthèse. Cependant, si la technique de l’échantillonnage permet d’obtenir un résultat sonore satisfaisant de manière assez rapide, elle perd, en possibilités de contrôle, tout ce qu’offrent les techniques de synthèse. Ses potentialités de transformation et de développement sont d’ordre globales et ne pénètrent pas la structure interne du son. On peut lire un échantillon dans différents sens (à l’endroit, à l’envers, par traitements granulaire …), à différentes transpositions, dans des tempi variables, le filtrer, mais on ne peut pas le décomposer en petits atomes qui sont comme autant de petits instruments participant d’un son total. Il est vrai que la composit